About Riccardo Murelli 

Abstract with impression, with an informal formal expression, various terms which tend to create categories, divisions which evade the research centre; they are branches of a stream generated by the synthesis of an ancestral need to overcome the mimesis. A need to reproduce a personal paint of view built on what the historical space, settled by time, suggests to who expresses visually. Abstract needs the sacrifice of reality, but can it be really possible? That is cannot a real space be considered abstract? And the abstract one, can’t it be considered real? What does the necessity of abstract want to reach? Probably in the experience of Macrocosmos and Microcosmos, as well as in the new terms of Mega and Micro, reality extends and compresses becoming virtually similar to the mental form. This would admit that every real form has a correspondent in the psychical form and vive versa.

Murelli’s work has a sense of space which has references to the Leopardian concept of Infinite and, concerning reality, with the phantasmagorical vision of the solar eclipse. In Murelli’s works the mind, set to observe the infinite space, is elevated. The mind itself undergoes a sense of contemplative mistery which extends the research of the enigma; such a process gives birth to a pacific harmony with the concept of limit imposed by the loss of knowledge, and not to tragedy. This element of spatial suspending, already searched for several times in European art, is to me deeply linked to the harmonies of the geometrical system; it lasts up to Murelli’s late experience, clearly conscious of his historical background. I think it is fashionable to say that an artist follows this or that movement from which he gets new elements. But I leave everything up to the public. Art is made of contents and there you must look into, obviously extending your investigation also to technical developments, without considering technique as a support by craftsmen to the work (how much glue and how much chalk, how much pigment and how much binding, which brush to use and so on) but the technique of soul. It means all those passions which, penetrating the “sense of idea”, allow the work to materialise itself in an unique and unrepeatable masterpiece. The space, is understood as element which communicates to the being an estate of suspension,

astonishment, investigation of mistery; it is the place where geometries superimpose to hide and therefore evocate inner perception. The ancient Roman painting too balancing the obvious contrast between the amount of space and the geometric object superimposed, suggests a metaphysical investigation on the concept of Infinite. This happens by synthetizing the architectural structures and by placing small elements, accounts which contrast the uncomprhensible background that seems to be unstressed, indifferent. Human beings and space mingle together, but remain unknowable to each other. During the artistic historical change Piero della Francesca questions himself on how the human and the spatial elements could integrate; this happens by modifying the harmonic relationships of proportions, equalling the pictorical space of both elements. It happens therefore giving a larger predominance to the human element in order to let the sidereal mistery become a foundamental stage, necessary for the development of the human being in itself. We are talking about a new metaphysics in which indifference spread among the human beings. It is a geometrical indifference, studied carefully in each of its aspects and codified by the artist himself. Murelli, as each one of us, is son of the Baroque movement, the same movement we are still living in and from which we are still getting our inspiration. Whenever before Abscissa, Ordinate and vanishing point were prevailing, and all together participating of the same logic mimesis inspired by architectural laws, now all the shapes become dynamic and assume new realities. Therefore Murelli uses in a really clever way the acute angles rather than the obtuse ones to create an state of tension. Eventhough they seem to be works with a clear settlement of scenographic theatrical memories it is distinctive of this artist to show dynamic images which reminde the whirling rythme of the substance wisely interrupted by brief stasis necessary to extend the excess of contraction.

Murelli measures the space by intuition creating special counterpoints; they have rythme of being that want to exist and builts his own existential nest. In this creative stage his aim his not “beauty” yet having his own shape. A maxim says: “ I am so beyond what is ideal; I am the ideal.” This is the great achivement of the contemporary movement, it is a challenge but also humbleness in showing itself. This means being an artist: as the artist can be seen and perceived. Murelli has realised that the journey outside oneself is useless, he is a unity which attempts to possess himself. In some works he is able to achieve a sense lost by now: frightness together with pleasure of contemplation. There is no beauty in particularies, but the entire work has a share in

finding the idea. Nowadays by saying the word “Abstraction” you could think of a commonplace. I can venture that Murelli’s works are closer to a metaphysical thought just for his tight union with the vision of hidden space. But what do Murelli’s flat shapes? Maybe the fear of existence? The mistery of existence. There is the seed of De Chirico’s art, whether it has spread inside the deep structure of our psyche. A form of metaphysical psycoanalysis which show itself in our being contemporaries with new expressive freedom. The content of Murelli’s work wants to demonstrate, by insisting on shapes and colours that the mysterious hide unknown beyond the geometrical outlines and that we must trust our own research. At this very moment, according to Murelli, the research finds encouragement exactly on the tension of dynamic geometries, sometimes joint up with lines of force which exalts its emanation. According to me the abstract art is a sort of “magma” of the spirit. Let’s see for example Kandinsky and its “Quadro con macchia rossa” (1914) or the painting “ Verticali gialle” (1912) by Kupka. Murelli uses the sense of abstract to define the shapes and he becomes contemporary by superimposing them to a new mystic of the space.


Astratto con impressione con espressione formale informale, termini vari che tendono a formare categorie, divisioni che eludono il centro della ricerca; sono rami di un flusso che si genera sulla sintesi di un bisogno ancestrale di superare la mimesi e di ritrarre una visione personale costruita su ciò che lo spazio storico, sedimentato dal tempo, suggerisce a chi si esprime visivamente.

L’astratto vuole il sacrificio della realtà, ma ciò può essere effettivamente realizzabile? Cioè uno spazio reale non può anche essere considerato astratto? E quello astratto non può anche essere considerato reale? L’esigenza di astrarre cosa vuole raggiungere?

Probabilmente nell’esperienza del macrocosmo e in quella del microcosmo, come nei nuovi termini del mega e del micro, la realtà si dilata e si comprime riuscendo ad essere virtualmente simile alla forma mentale. Questo ammetterebbe che qualsiasi forma reale abbia un suo corrispettivo nella forma psichica e viceversa.

Vi è nel Murelli un senso dello spazio che ha dei riferimenti con il concetto leopardiano dell’infinito e nella realtà con la visione fantasmagorica dell’eclissi solare. Nelle opere del Murelli l’animo posto ad osservare lo spazio infinito, subisce un senso di sospensione e di mistero contemplativo che espande la ricerca dell’enigma senza generare il dramma, ma bensì un pacifico accordo con il concetto del limite imposto dalla privazione di conoscenza.

Questo elemento di sospensione spaziale già più volte ricercato nell’arte europea, posso già anticipare intimamente congiunto alle armonie del sistema geometrico, si protrae fino alle ultime esperienze del Murelli evidentemente intrise delle sedimentazioni storiche della sua appartenenza.

Credo sia alla moda il fare appartenere o meglio il riscontrare che un artista si rifaccia a questa o a quella corrente e da questa ne tragga dei conseguenziali sviluppi innovativi. Tutto ciò lo lascio all’evidenza ed alla conoscenza del singolo spettatore.

L’arte è fatta di contenuti ed è lì che bisogna indagare allargando l’indagine, evidentemente, anche agli sviluppi tecnici, non intendendo la tecnica come supporto artigianale all’opera ( quanta colla e quanto gesso, quanto pigmento e quanto legante, quale pennello usare ) ma alla tecnica dell’anima cioè a quell’insieme di passioni che intridendo il “senso dell’idea” permettono all’opera di materializzarsi nel capolavoro unico e irripetibile.

Lo spazio intuito quale elemento che comunica all’essere uno stato di sospensione, stupore, indagine del mistero, luogo dove le geometrie si sovrappongono per celare e quindi evocare percezioni interiori.

Già la pittura romana antica, dosando un evidente contrasto tra la quantità di spazio e l’oggetto geometrico sovrapposto, suggerisce una visione di indagine metafisica sul concetto di infinito, tendendo a sintetizzare le strutture architettoniche ed a collocare piccoli elementi, racconti, che si pongono come evidente contrasto sulla inafferrabilità del fondo che appare atono, indifferente. La presenza umana e lo spazio convivono, ma rimangono inconoscibili fra loro. Nel passaggio storico della ricerca spaziale nell’arte, Piero della Francesca pone l’evidente quesito di come possa avvenire la fusione di questi due elementi, l’umano e lo spaziale; ciò avviene modificando i rapporti armonici delle proporzioni, uguagliando lo spazio pittorico dei due elementi, quindi dando una maggiore prevalenza “all’umano” affinchè il mistero siderale divenga parte necessaria, integrata allo sviluppo stesso dell’essere. E’ una nuova metafisica, dove l’indifferenza è fra gli esseri: è una indifferenza geometrica, studiata nei minimi particolari e codificata in trattati dello stesso artista.

Murelli, come tutti noi, è figlio del barocco nel quale ancora viviamo e dal quale ancora traiamo ispirazione. Là dove era dominante l’ascissa e l’ordinata ed il punto di fuga, tutti partecipi di una logica mimesi ispirata alle leggi dell’architettura, ora le forme si dinamizzano ed assumono nuove realtà.

Così Murelli usa sapientemente prevalenze di angoli acuti su ottusi per generare tensioni. Pur se appaiono opere con un evidente impianto di memorie scenograficheteatrali, è componente essenziale di questo artista presentare immagini dinamiche che rammentino il ritmo vorticoso della materia, sapientemente interrotto da stasi direi brevi ma necessarie a distendere l’eccesso di contrazione.

Murelli misura lo spazio con l’intuito e genera contrappunti spaziali i quali hanno il ritmo dell’essere che vuole esistere, che fabbrica il suo “nido” esistenziale. In questa sua fase creativa non è la ricerca del “bello” il suo fine, bensì l’avere una sua forma propria; vi è un dire: io sono questo al di là di ciò che è ideale; io sono l’idea. Questa è grande conquista del contemporaneo, è sfida ma anche umiltà nel mostrarsi. Così appare l’essere artista: come lo si vede, come lo si intuisce. Ha capito Murelli che è vano il viaggio al di fuori di sé, egli è un'unità che tenta di possedere se stesso. In alcune opere riesce a conquistare un senso ormai perso: lo spavento accompagnato dal piacere della contemplazione. Non vi è bellezza nel particolare, ma l’unità dell’opera tutta partecipa al ritrovamento dell’idea.

Dire “Astrattismo” oggi può essere un luogo comune, e posso azzardare che le opere del Murelli si avvicinano di più ad un pensiero metafisico appunto per la sua stretta unione con la visione dello spazio celato.

Ma cosa celano le forme piane del Murelli? 

Forse la paura di esistere? Il mistero di esistere. 

Vi è il seme dechirichiano, se si è diffuso nella profonda struttura della nostra psiche. Una forma di psicanalisi metafisica che si manifesta nel nostro essere contemporanei con nuove libertà espressive. Il contenuto di Murelli vuole dimostrare, con l’insistenza di forme e colori, che l’incomprensibile si cela inconosciuto alle spalle delle sagome geometriche e che bisogna fare affidamento sulla propria ricerca; ricerca che per lui, in questo istante, trova incoraggiamento appunto nella tensione di geometrie dinamiche, a volte raccordate da linee di forza che ne esaltano l’emanazione.

Astrattismo, me ne scusi il lettore, è magma dello spirito. Si veda il Kandinsky del 1914 “Quadro con macchia rossa” o il Kupka del 1912 “Verticali gialle”. Murelli usa il senso dell’astratto per definire le forme, e partecipa al contemporaneo nel sovrapporle ad una nuova mistica dello spazio.

Mauro Salvi 2002


La scultura oltre alla materializzazione della terza dimensione ha il compito di condividere con noi lo spazio fisico della luce.

Lo scultore Riccardo Murelli si riallaccia a tutte le esperienze derivanti dalle sintesi apportate dai movimenti artistici quali il cubismo, il futurismo ed il surrealismo che operano progressivamente per rendersi indipendenti dal modello, cioè abbandonare totalmente l’immagine del reale, e da altra parte alla sintesi di queste correnti che confluirono nell’astrattismo concreto.

Murelli è artista italiano e quindi si rivolge ad un mondo armonico fatto di studio sulla linea , la luce, lo spazio.

Inizialmente ispirato da impostazioni alla Piero della Francesca , a Paolo Uccello, a Brunelleschi progetta un mondo calmo e dinamico, stabile e teso dove la luce si posa e muta e vibra nell’ intersecarsi di piani, dove il moto è congelato in attimi di riflessione metafisica.

I ritmi, gli spazi e le luci, si materializzano in una sintesi che non imita la realtà ma un pensiero puro, astratto, armonico .

Murelli usa materiali industriali cioè non conformi alla tradizione quali la creta, il marmo, il bronzo ma usa acciaio inox per catturare la luce piana e lineare e materiali plastici trasparenti per catturare lo spazio e la luce nell’intimo della materia.

La prima materializzazione dell’idea avviene attraverso sagome elaborate con programmi di grafica e successivamente stampate su lamine trasparenti di pvc.

L’uso stratificato di questa materia tende a creare un dinamismo che produce illusioni formali derivanti dalla variazione della luce e dello sguardo, tutto ciò nelle sculture diventano veri colloqui spaziali.

Murelli in queste opere supera la simulazione dello spazio prospettico poiché attraverso la trasparenza qualifica e quantifica la profondità dello spazio.

I piani rappresentano la ricerca di ritmi geometrici lineari e cromatici; il cromatismo è presente in quanto elemento squillante, nota vivace che evidenzia una qualità esistenziale.

Lo scultore non presenta forme regolari se non nei perimetri quadri, anche il quadrato a volte si ricompone al centro dell’opera, ma appare solo ad attenta osservazione.

Speculando simbolicamente si è più volte rimarcato in questa simbologia valori di equilibrio e di limite insuperabile a tutto ciò che sfugge alla nostra comprensione, limite della speculazione nell’infinito dentro il quale vi è l’intelligenza.

Questa intelligenza Murelli la rappresenta dinamica, con intersezioni di piani, piani che si incrociano in angoli acuti ed ottusi in armonico accordo, preludono ad una vita futura densa di avvenimenti costruttivi per l’umanità dove l’artista vede una ricerca tecnologica a favore dell’uomo per l’uomo e non una ricerca dell’uomo verso lo sconosciuto, il divino.

Un uomo padrone della propria materia, un essere tecnologico che si tutela e migliora.

La profondità spaziale si evidenzia in un corpo unico formato da moduli cubici e contenenti piani riflettenti la luce sia nella loro superficie che nei bordi manifestando la luce anche in forma di linea.

Luci, ombre, piani, linee, spazi generano un moto interiore di grande forza, così nascono opere di energia psichica e fisica in perfetta conformità alla nostra contemporaneità che preannunciano future visioni di una società dinamizzata e dominante il proprio sviluppo nell’ interno del suo limite.

Mauro Salvi

Gennaio Febraio 2007